7 写出胜券在握的剧本（第3页）

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要。需要你写的，是那些会对角色和故事产生影响，并且有助于捕捉剧本基调的细节。但如果你在剧本里先把影片导演了一遍，指挥未来的创作伙伴们干这干那，那么等你需要把别人拉进这个项目里来的时候，就会遇到很大的困难。再次强调，要从他们的视角来看你的剧本。让他们用自己的才能和创意，给你的故事和角色注入生命，不要剥夺他们的这个机会。他们比你更了解他们自己的工作，让他们去发挥。保持动作之间紧密衔接，保持情节的推进。接着把读者的目光从动作拉到对白上，这样他们在不知不觉中就读完了你的剧本。任务完成!

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对白

如果你之前一直在勤勤恳恳地做各项准备工作，现在应该都做完了，终于有机会去写包含对白的完整场景了，一定感觉很愉快吧。一页剧情简介、人物动作表、大纲或详情里的描述，都无法捕捉对白最终揭示的东西，那就是让角色的声音成为现实。如果你足够敏锐，并且能理解角色各自的视角，就肯定能写出充分反映角色态度和性格的优秀对白。你需要做的就是这些。但这意味着，你不能让角色们听起来都是同一个调调。你的故事发生在哪里，你的角色从事什么工作，这些都无所谓。但每个角色都应该有他自己的声音。你可能要花一些时间，甚至要改好几稿，才能找到一

个角色的声音，这没关系。但如果所有的角色说话都是一个样，那你的剧本读起来就会很单调，很假。下面是一个测试：读一遍你写的场景，从一个人的对白直接到下一个人，但不要看说话人是谁。你能分辨出哪句话是哪个角色说的吗？如果不能，就说明你还有些工作要做。尼尔·西蒙

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>#pageNote#3说过，绝对不要让两个角色可以互相交换台词。如果两个角色能用同样的方式说出同样的话，就说明他们在本质上是无法区分的。那为什么要把他们俩都写进你的电影里呢？你了解你的故事，也了解你的角色。你要想办法通过对白给每个人都赋予一种独特的声音。

另一个忠告：正如不能过度描写动作一样，你也不能过度描写对白。如果真的需要，隔一会儿就来一段对白也不是不行，但最好还是少一点，间隔长一点。我们曾经合作过一个制片人，她的秘诀是“一指原则”

。如果一段对话看起来比较长，她就会伸出一根手指测量，超出一指范围之外的内容都会被砍掉。这吓坏了她的编剧（包括我们），因此，一定要尽量去写简洁而克制的对白。

对白的基调应该与影片整体保持一致。不管你写的是什么，加入幽默感总是件好事。一个具有幽默感的角色，几乎能让任何类型和情境受益。但如果过于恶搞，而你写的又不是一部恶搞喜剧（broad

edy），那就会让读者失去兴趣。“不要让读者失去兴趣”

是让剧本胜券在握的首要原则。

我们俩13岁相识，从15岁起一直是最好的朋友。现在我们在一起时，还是会用小时候聊天的方式跟对方说话。有时候这个习惯也会出现在写作中，这成了一个问题，导致我们有时候分不清有趣和荒唐。所以让你信任的人提前读一读你的剧本片段会很有帮助，也许仅仅是第一幕，这样能确保你做的准备工作得到了良好的执行。

你多半会希望你的对白能像其他元素一样，为剧本的推进而服务。这指的不仅是故事的推进和角色的揭示，还包括在读者心中所激发的热情。想一想，你跟朋友们在日常生活中会引用哪些电影里的名言？这些句子抓住了一种别人捕捉不到的感觉或情境。你的目标是写出让人觉得真实的对白，也就是要比我们日常的对话更聪明一点点、更搞笑一点点，或更深刻一点点。但不要聪明得太多，否则会让人觉得太假、太做作，要聪明得恰到好处，这样才能让观众走出电影院时，觉得你写的东西抓住了他们的感受，而且比他们自己说得更好。

最后，告诉你一个小窍门：不要让你的角色很快就表露出他们的想法或感受。在生活中，我们很少会老老实实地对别人说真心话，尤其不会在一段对话或对峙的开头。因为

如果一上来就过于直白，就没有太多空间能营造戏剧感了。所以在一场戏的开头，应该让你的角色谨慎一些。他可能是为了保护某种东西，也可能是缺乏自我认知，或者只是不知道该怎样面对眼前的障碍。随着场景的发展，自然会走向一次对抗，在对抗中爆发一次核心冲突，并揭示某种关键的真相。这时，你就可以让某个角色用一种自知而坦诚的方式来自我表达，这种表达会非常有力量。比如《大审判》（TheVerdict）

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>#pageNote#4里高潮部分的那场法庭戏。

保罗·纽曼用精湛的演技塑造了律师弗兰克·高尔文这个角色，他代理的是一位正处于植物人状态的女性的家属。高尔文认为，造成这种结果的原因是，医生在手术前给她用错了麻醉剂。高尔文就要输掉官司了，法官从一开始就在针对他。他请来了最后一位证人——一个名叫凯特琳·普莱斯的护士。普莱斯做证说，当年迫于被告方（业内最有声望的医生之一）的压力，她在手术后把批准单上病人的最后进食时间从1小时改成了9小时。凯特琳·普莱斯的证词像炸弹一样在法庭里炸开，而她保存的批准单副本就是确凿的证据。高尔文似乎仅仅通过这一个证人就扭转了局面，有机会打赢这场官司。虽然辩方律师依然找到了一些法律上的操作空间，但对整个故事和主角来说，这个

场景到这里就算是结束了。然而接下来，编剧马梅又加上了精彩的一笔，让这场戏和整部电影的情感冲击力更加强烈。辩方律师严厉质问凯特琳·普莱斯，她在那家医院里作为护士参与了几千次手术，为什么偏偏要把那次手术的批准单副本保存四年。这让普莱斯回想起了她在手术那天受到的威胁，显然，从那天起她就决定永远离开护士这个行业了，她的愤怒爆发了出来：“那些人是谁？我想当护士……”

“我想当护士。”

这是本片里最令人难忘也最有力量的台词之一。这场戏的任务已经完成了，但凯特琳·普莱瑟还有话要说。她想当护士，但那些掌握权力的男人为了保护他们自己，剥夺了她的机会。凯特琳·普莱瑟在片中只有寥寥几场戏，但那句坦诚、振聋发聩而又充满痛苦的台词，带来了巨大的冲击力。

有时候，一场戏的任务结束，完成了既定的目标之后，你还有更多的话想说，一些真实而又发人深省的话，从最私人、最由衷的角度出发，给你的场景画上一个惊叹号。如果你能挑战自己，达到这样的真情实感，那么就能给你的观众和读者带来惊喜，甚至给你自己带来惊喜。还能诱惑读者继续读下去，看看还能不能在你的剧本里发现其他意料之外的乐趣。

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转场和衔接

在某种程度上，编剧在剧本里从一场戏转到下一场戏

，就如同音乐家在音乐会上从一首曲子转到下一首曲子。杰出和成熟的音乐家不会随随便便想一些曲子，就凑成一个曲目单，而是会仔细挑选最合适的曲子放进曲目单里，在演出中创造驱动力。你要做的也是创造驱动力，也就是悬疑感、戏剧张力、喜剧张力或紧迫感。如果你要切到的下一个场景，里面没有向前推进的动作，那你可能就得把它砍掉了，或者你只是还没找到最好的转场方式。现在不是自满的时候。如果连续的场景之间没有自然的衔接，就等于是在鼓励读者合上剧本，说：“我失去兴趣了。”

前一个场景的结尾如何引导你走向下一个场景？这里的情节有推进吗？如果没有，请花时间再想一想。不要只是机械地跟着大纲走。读者从你的剧本和每一场戏里都能看出你对他们投入的热情。从头到尾，每一场戏和每一次转场，都要用高标准要求自己。读者一路看完你的剧本，你要给他们奖励，反过来，你自己也会得到回报。

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这是一场马拉松，不是短跑

1993年，我们正在写《饕餮之人》，中午吃赛百味的三明治，晚上吃盒装的奶酪通心粉。我们合租的公寓位于洛杉矶南卡塞的斯特恩斯大街，那里就像一个编剧工厂，几乎24小时运转，每天只有5小时不工作，用来看黄金时段

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